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Estilo Pilar 2018

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La 16° edición de Estilo Pilar se realizará desde el 23 de marzo hasta el 15 de abril en Pacheco Central con más de 140 expositores que exhibirá lo mejor del arte, la decoración y el paisajismo.
Organizada por la “Asociación Civil Amigos del Pilar” a total beneficio de la atención gratuita odontológica pediátrica en Pilar. En ésta oportunidad la exposición se inspiró en la integración de la naturaleza con lo urbano, aprovechando la arboleda y vegetación de Pacheco Central que lo caracteriza y a su vez se conservó la vegetación original del vivero para mantener viva su historia.

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Una delicada decoración vestirá los espacios tomando como inspiración el color y el significado de cada orquídea. Esta milenaria flor será primordial para las ambientaciones con  diferentes materiales funcionales y diseños simples. Asimismo se presentará una unidad modelo dentro del sector “Deco” ambientada con calidez a modo de vivir en un estilo colonial como alma del proyecto “Pacheco Central”.

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También el paisajismo con una imponente frondosa arboleda y especies autóctonas estarán distribuidas caprichosamente en todo el predio, con diferentes momentos en su recorrido.

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El arte tendrá su espacio especial dentro de una casona antigua del viejo vivero, donde se ubicarán las obras e instalaciones creando una atmósfera propia de un clima pausado, permitiendo la mirada calma y un momento de relax en el Café de las Artes.

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El paseo de compras, estará en el “Garden Walk” con su patio de comidas a modo de foodtrucks y cafés al paso que completarán este variado recorrido.
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 Desde 2004, Amigos del Pilar es organizado junto a la Asociación Civil que surgió de la inquietud de un grupo de mujeres con espíritu solidario que deseaban colaborar y comprometerse con su comunidad y que vienen trabajando todos loa años nuevas realizaciones.
Pacheco Central (Gral. Pacheco – Tigre)
Km. 27 Panamericana.
Phone; 0230-4427960
Estilo Pilar –
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Sorolla a la moda

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el Museo Sorolla organizan una exposición dedicada a la presencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla que tendrá lugar, de manera simultánea y complementaria en ambas sedes, del 13 de febrero al 27 de mayo de 2018. Comisariada por Eloy Martínez de la Pera, la muestra reúne más de setenta pinturas procedentes de museos y colecciones privadas nacionales e internacionales -algunas de ellas nunca expuestas públicamente-, junto a un destacado conjunto de vestidos y complementos de época, con valiosas piezas cedidas por importantes instituciones y colecciones particulares y muchas de ellas inéditas.

Gran amante de la moda, Sorolla es el cronista perfecto de los cambios en las tendencias y estilo de la indumentaria del fin de siglo. Sus cuadros reúnen un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos realizados por su trazo suelto y vigoroso.

La exposición se centra particularmente en los retratos femeninos pintados por el artista entre 1890 y 1920, que dialogan en las salas con vestidos de finales del siglo XIX y comienzos del XX a lo largo de ocho apartados temáticos: Sorolla íntimo, El retrato de sociedad, El veraneo elegante y París de la vida moderna, en el Museo Thyssen, y Una casa a la moda, El retrato de sociedad, Una familia elegante y Un Fortuny escondido, en el Museo Sorolla.

El interés del pintor por la moda queda expuesto en la documentación disponible como fotografías, bocetos o cartas con continuas referencias a diferentes aspectos del vestir. Los referentes sociales de Sorolla –nacido en el seno de una familia humilde dedicada a la venta de tejidos- y de su mujer, Clotilde García del Castillo, –nacida en un entorno burgués fruto de la situación social alcanzada por la fama de su padre, el fotógrafo Antonio García Peris-, son decisivos para valorar la evolución e importancia que adquiere la imagen en el entorno de la familia Sorolla, teniendo un claro paralelismo entre su ascenso social y económico y su interés por la moda y la indumentaria.

Su actividad como retratista de sociedad no fue lo único que le hizo dirigir la mirada hacia la vestimenta, sino también su afán observador y su genuino interés por todo lo que le rodeaba. En éste sentido, su figura se asocia a la imagen de modernidad establecida por Baudelaire en “El pintor de la vida moderna”, el artista como “observador, flâneur, filósofo…” y hombre de mundo.
La exposición se centra particularmente en los retratos femeninos pintados por el artista entre 1890 y 1920, que dialogan en las salas con vestidos y complementos de finales del siglo XIX y comienzos del XX.
En el MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA, la exposición se desarrolla en cuatro secciones:
Sorolla íntimo.

El primer capítulo, dedicado al ámbito familiar del pintor, muestra diferentes aspectos de su vida cotidiana, como las cartas que envía a su mujer desde París, en las que le comunica las novedades en la moda, y las compras de vestidos que allí realiza para ella y sus hijas, así como las obras que dedica a su familia, sobre todo a su mujer y musa. Es el caso de Clotilde con traje negro (1906),
The Metropolitan Museum of Art, Nueva York / Traje, hacia 1900. Musée des Arts Décoratifs, Paris Metropolitan Museum of Art (Nueva York), junto a un traje (hacia 1900) del Musée des Arts Décoratifs de París, o Clotilde vestida de blanco (1902), de la Hispanic Society of America (Nueva York), y un vestido de ceremonia (hacia 1907) de la colección Ana González-Moro.

Retrato de Sociedad

Sorolla recibe numerosos encargos para retratar a personajes de la alta sociedad de su época, describiendo y descubriendo en ellos el alma de una élite y su deseo de reconocimiento.
Algunos de los retratos y vestidos incluidos en ésta sección se hacen eco de las últimas tendencias en el vestir, mientras que otros, más clásicos, reflejan una moda que dirige su mirada al pasado. La Reina Victoria Eugenia (1911), de la Hispanic Society of America, y un vestido de baile de Charles F. Worth (hacia 1896) de la colección Francisco Zambrana, o el Retrato de María Lorente (1905), de una colección privada, y un traje de novia (1907) de Antonia Montesinos del Museo del Traje de Madrid, son ejemplos de ello.
El veraneo elegante.

En la segunda mitad del siglo XIX se descubren los efectos terapéuticos de los baños de mar. Zarautz, Santander, San Sebastián, la Costa Brava o las playas de Levante empiezan a ser populares entre los primeros veraneantes españoles. La moda está también presente en éstos escenarios y Sorolla, testigo destacado de ello, refleja magistralmente éste aspecto en retratos realizados junto al mar como Clotilde en la playa (1904), del Museo Sorolla, expuesto junto a un vestido de día (1904-1908) del Victoria and Albert Museum de Londres, o Bajo el toldo, Zarautz (1910), del Saint Louis Art Museum, junto a una blusa blanca y falda (hacia 1900) del Centre de Documentación du Museu Tèxtil de Terrassa.

Paris de la vida moderna.

La vida moderna surgida a mediados del siglo XIX impregna las nuevas costumbres de ocio: los cafés, los paseos urbanos, el teatro y la ópera…, son lugares que llaman la atención de Sorolla en sus frecuentes viajes a París. Allí conoce las novedades que se producen en la alta costura, que le sirven de inspiración a la hora de realizar sus retratos. Con una creación de Fortuny, el mítico vestido Delphos, retrata a su hija en “Elena con túnica amarilla” (1909). También de Fortuny es la blusa de tafetán plisado en seda azul con la que aparece Clotilde en una miniatura en gouache de la pintora norteamericana Martha Susan Baker (1871-1911), ambas piezas del Museo Sorolla y expuestas en éste apartado.

En el MUSEO SOROLLA, la exposición se adapta por su condición de casa y por haber conservado casi intacto su ambiente original y todo su mobiliario. Haciendo un recorrido por la muestra se pueden ver los siguientes temas: “sentada en un sofá” (1910) y un diseño de Jean Paquin (1912) del Museo del Traje, 1910. Museo Sorolla, 1912.

Una casa a la moda.

El museo guarda, entre sus colecciones de pintura, numerosos retratos de la propia familia Sorolla, que adquiere una presencia muy fuerte en el entorno de la casa, entre los muebles y objetos que el mismo pintor escogió. Algunos vestidos puntúan las distintas salas de la planta principal que constituyen la exposición permanente del museo, dándoles, juntos a ésos cuadros familiares, una nueva vida; es el caso de (1910) y un diseño de Jean Paquin (1912) del Museo del Traje.

En las salas de la primer piso, dedicadas a las exposiciones temporales, se desarrollan otras dos secciones de ésta muestra. el deslumbrante “traje blanco a la griega”, del Laiglesia (1897), de una colección privada de familia a la moda, y nunca olvidó en sus viajes llevarles como regalo vestidos o complementos que hubieran vestido en verano, pués los blancos a la luz del sol fueron la marca distintiva de su pintura, pero tampoco  podía faltar en su casa la tradición española de la mantilla sobre el traje negro para las bodas Clotilde en “Clotilde con mantilla negra” vestido de Lucile (hacia 1912) del Victoria and Albert Museum de Londres, (1888). Museo Postal y Telegráfico. Sociedad Estatal Correos y Telégrafos Museo del Traje, Madrid, 1906. Museo Sorolla, Madrid / 1911. Museo del Traje, Madrid.

Retrato de sociedad

Ésta sección contiene diversos tipos de retratos de encargo, desde los de mayor compromiso, como pueda ser el de la reina María Cristina, al más desenfadado como “La bella Raquel” que bajo el aparatoso sombrero de la Belle époque, viste con una moderna blusa blanca. Los retratos más tradicionales en traje de fiesta o de noche, contrastan con los más modernos y sobrios vestidos negros, o trajes blancos a la griega de “Retrato de Amelia Romea”, señora de Laiglesia 1897 de una colección privada.

Una familia elegante.

Clotilde la mujer de Sorolla, como sus dos hijas, María y Elena, tuvieron un don natural para la elegancia y supieron llevar trajes y sombreros con verdadero estilo. Sorolla se complació en verse rodeado de una familia a la moda, y nunca olvidó en sus viajes llevarles como regalo vestidos o complementos que hubieran llamado su atención. Especialmente le gustaban los vestidos de verano, pués los blancos a la luz del sol fueron la marca distintiva de su pintura, pero infaltable en su casa la tradición española de la mantilla sobre el traje negro para las bodas o la Semana Santa, y así retrató Sorolla a “Clotilde con mantilla negra” (hacia 1919-1920) expuesto junto a un vestido de Lucile (hacia 1912) del Victoria and Albert Museum de Londres.

Un Fortuny escondido.

Por último, el visitante desemboca nuevamente en el ambiente original del comedor familiar. Elena, la pequeña de la familia fue la más aficionada a las novedades, a los vestidos bonitos y a las joyas, y desde muy joven la vemos retratada por su padre con modelos “importantes”: el vestido Delfos, patentado por el pintor, escenógrafo y diseñador Mariano Fortuny y Madrazo, hizo furor entre las más modernas y avanzadas mujeres de la época; Elena, casi niña todavía, quedó inmortalizada con un delfos dorado, asomando entre la graciosa guirnalda de frutas con que Sorolla decoró el comedor de su casa.

La exposición en el Museo Sorolla cuenta con el patrocinio de Fundación Iberdrola España y CNP Partners.
Paseo del General Martínez Campos 37. 28010 Madrid
http://www.museosorolla.es

http://www.museothyssen.org

El Camino de la Tinta

El camino de la tinta posibilitó la convergencia entre artistas de Oriente y Occidente con una técnica llamada “Sumukhwa” que significa tinta negra y agua y tiene sus raíces antiguas de tradición en el arte que captan el espíritu oriental.

El artista combina con habilidad al que contempla su trabajo por su síntesis y expontaneidad. Algunas obras expuestas simbolizan las cuatro estaciones de la naturaleza con las virtudes del ser humano. Los artistas expresan a través de la pintura y la caligrafía, en sus trabajos con textos poéticos o religiosos y otros desarrollan composiciones caligráficas asociadas.

El encuentro que los agrupa es la Asociación de Pintores calígrafos coreanos y argentinos, y entre ellos están: Hwang Manho, Nan Sun Park, Lee Song Ja, Irene buffa, Miguel Karakachian, Elsa Libonati, Aldo Paparella entre otros. La asociación organizó la muestra del artista Park Seung Kil  que llegó al país en 1971, uno de los pintores coreanos que se le debe la traducción al coreano en la asociación.

A finales de 1970 el profesor Park se interesó por la temática de las Cataratas del Iguazú  enseñando su técnica coreana de Sumukhwa y caligrafía coreana. En 1996 con la llegada de inmigrantes de Corea del Sur asume como presidente la pintora y calígrafa Song Ja Lee hasta 2013 incorporando nuevos artistas llegados al país.

“La Paradoja en el arte”

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La  exposición “La paradoja en el centro” es la colección del Museo de Arte Moderno gran parte adquirida por sus primeros directores: Rafael Squirru en 1956 – 1963 y Hugo Parpagnoli de 1963 – 1970 que iniciaron los nuevos ritmos informales en la época sesentista del arte argentino.

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 La expo plantea una lectura contemporánea que permite comprender el momento de ruptura de la historia del arte argentino cuándo en 1959 y 1967 los artistas provocaron el quiebre del formato tradicional gestado hasta ése momento en la pintura y escultura abriendo la brecha hacia una expresión más contemporánea.
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La exposición aborda la posibilidad de una lectura de un ritmo paradojal centrado en el desarrollo lineal del lenguaje plástico iniciado por las vanguardias europeas años antes. Se trata de un arte enraizado en la materia que se afirma en la seguridad que ofrecen las estructuras de la pintura y la escultura y ejerce violencia contra el formato tradicional para ensayar una nueva liberación artística.

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Ésto supone varios paradigmas que se contraoponen, por un lado Pettoruti con los artistas concretos y por el otro el Madí de los años 40 con el lenguaje de la abstracción geométrica iniciado por el grupo al que pertenecía Kósice.
Por otro lado Lucio Fontana con su nuevo diseño de una generación de artistas europeos que trabaja a fines de los años 50 con Alberto Greco, Aldo Paparella y Emilio Renart que fuerzan con la acción simbólica a la pintura y la escultura.

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La generación del 60 que se presenta acompañarán 3 artistas como trituradores del estilo convencional y son; Antonio Berni, Raquel Forner y Juan Del Prete.

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Entre los saltos propuestos van creando aperturas con estrategias diferentes a las que se venía sosteniendo por Pettoruti, frente a una estrategia de mayor desparpajo argentino y que proviene de la cultura occidental donde le imprime oficio y trabajo con ganas de continuidad. Así son los artistas modernos que buscan las rupturas que acompañarán las nuevas generaciones.

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Con ésta estrategia se permite mantener los formatos tradicionales y a la vez saltar a la década por ritmos más modernos que podría ser la paradoja que sostuvo el nuevo arte argentino.

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A diferencia de Berni, Forner y Del Prete que demuelen los estilos manteniendo el formato pictórico, artistas como Kemble y Luis Wells llevaron la pintura hacia una tridimensionalidad del informalismo en la búsqueda del espacio para así abrir un nuevo lenguaje contemporáneo.

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Luis Felipe Noé fuerza su pintura hacia la búsqueda del caos y en 1962 comienza la ruptura de la estructura pictórica mostrando la contracara con su obra ” Mambo” mientras que en “introducción al desmadre” de 1964 transforma una instalación  espacial de bastidores entrecruzados desplegados hacia el piso con siluetas que rompen el plano en visiones quebradas atravesando otras telas para provocar tensiones. En 1965 Noé presentará “Noé + experiencias colectivas” en el Museo de Arte Moderno rompiendo los planos y las composiciones sumando acumulación al caos donde agotará éste formato y lo llevará  a alejarse por nueve años de la pintura.

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Jorge de la Vega se trasladará de la pintura a sus “efasages” con marcador sobre imágenes de revistas con una visión deformada del humor y la realidad cotideana presentados por los medios gráficos. En ésta experiencia buscará llegar a producir una masividad de combinaciones múltiples con sus “Rompecabezas” para que el público recorte y arme. También buscará llegar  a una producción masiva con la canción popular en un formato que también viene experimentando Federico Peralta Ramos cuándo sus textos de sus canciones dicen:

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El arte es transmisión de vida.

El arte es hacerse cargo del dolor y la alegría de una época.

El arte es caminar por la calle con con vos.

El arte es caminar con plata en el bolsillo.

El arte es dar vida metafísica a un mundo superfísico.

El arte es emerger de un viejo desórden y construir un nuevo órden.

El arte es hacer reír y pensar a la gente.

El arte es tener talento para vivir una vida maravillosa.

Buenos Aires 1983

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Patagonia, en el arte y el viento

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Una tierra hostil marcada por el viento para el desarrollo humano como ninguna en el mundo sea hace reacia a los embates de la sobrevivencia en el tiempo.
La fotografía de Eliseo Miciu es el medio que encontró para contar las emociones como forma de trasmitir vida que le produce admirar la naturaleza agreste de la patagonia.

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La técnica que tiene utilizada ayuda a transmitir una sensación, o un mensaje, siendo el centro de la obra.

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Seducido por la fotografía con sus paisajes de la estepa patagonica agreste y dura, tallada por los permanentes vientos la vuelve desconocida y legendaria.

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Asi como la labor está en el suelo, un vigía desde el cielo sobrevuela y otea permanente dominando la región en busca de una presa.

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Insua; pop-art y su “Más es Más” del descarte

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La muestra inaugurada en Espacio Modos (Nicaragua 5041), de Elisa Insua busca una reflexión sobre la acumulación de material de consumo y la opulencia de los desechos. Bajo la curaduría de Eduardo Stupía, “Más es Más” cuestiona un principio básico de la Economía consumista que establece: cuánto más se tiene, mejor.
Se presentan un conjunto de 15 obras en esculturas y ensamblajes sobre madera donde la exposición busca dilucidar el misterio de la insaciabilidad humana por el consumismo.
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La obra trata de conseguir una relación estética con reciclados objetos recargados en brillo y ornamento, con alusiones al consumo y despilfarro, el casino, el hip-hop y el juego.
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Sus trabajos son de técnica mixta sobre madera con collage de materiales de desecho y objetos pegados con resina acrílica y poliéster.
Según nos dice Elisa, desde los 16 años vengo haciendo obras con la técnica de collage. No creía que podría vivir del arte hasta que empecé a vender obras sin parar, a exponer y hacer encargos para personas y empresas… y cuándo me di cuenta que ganaba más plata como artista, me gustaba mucho más mi vida corporativa, hice el “switch”.
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En 2011 Elisa realizó su primera exposición en San Telmo. Su obra desde el comienzo causó mucho impacto en: sus collages con monedas, ganchos, llaves, y hasta joysticks que despertaron el interés entre coleccionistas y galeristas.
Según la artista aclara “El concepto de mi obra es el poder en sus variadas formas; el dinero, la fuerza, la fama y la fuerza donde aparece la ambición como motor vital, pero también como pecado final. Mis trabajos hacen una reflexión sobre el deseo y la ostentación y sobre aquella delirante obsesión humana por perdurar en la historia”.
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“Se unen ahí lo sagrado y lo profano que se contraponen y entretejen para que lo profano se sacralice y lo sagrado se profane.
El enriquecimiento y la acumulación aparecen como mandatos bíblicos y los dioses se reducen a meros commodities.”
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El concepto transversal de mi obra es el poder, empecé entonces a sumar el poder y trabajar con la fama y más tarde pasé al poder económico.
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“Estados de Conciencia”

gaby_herbstein_de_la_serie_estados_de_conciencia_entre_suenaos_mi_alma_se_eleva_0-gh1Una puesta innovadora, llega al Museo Sívori tomando la fotografía como medio expresivo para generar conciencia, la obra de Gaby Herbstein dá cuenta de su preocupación por el bienestar universal, por la preservación de la belleza del planeta y de inquietudes que surgen a partir de sus propias experiencias y búsqueda espiritual.
Sus trabajos fotográficos son parte de ésos instantes concientes del devenir cotidiano del pensamiento para desarrollar un mejor porvenir.
gaby_herbstein_de_la_serie_estados_de_conciencia_el_libro_de_mi_vida-gh2Fotógrafa y artista visual cuya carrera se extiende por más de 23 años, ha trabajado y participado de exhibiciones individuales y colectivas en países tales como Argentina, México, Brasil, Chile, Perú, Estados Unidos, Rusia, China y Japón, entre otros galardonada con varios premios y el más reciente Prix de Oro de la Photograhie de Paris 2015, por su proyecto que expresa “Estados de Conciencia” donde trasciende lo estético, lo fotográfico inspirado en la obra de los grandes maestros del surrealismo, éste proyecto es un homenaje a quiénes pudieron contar con imágenes de lo que no se ve, lo metafísico, que está más allá y que está dentro nuestro, lo que nos dicen los sueños”, señala la artista que tiene como curadora de la muestra a Vicky Salías.

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Se trata de una exposición compuesta por 35 fotografías, en un recorrido que invitará al espectador a transitar un viaje onírico por mundos imaginarios, donde un hombre y una mujer, casi como Adán y Eva modernos, se sumergen en situaciones que llevan a reflexionar sobre temas universales y a señalar las conciencias relacionadas con ellos.
gaby_herbstein_de_la_serie_estados_de_conciencia_encuentro_de_almas_gemelas-gh5La muestra incluirá la presentación de un libro-objeto que recopila todas las imágenes del proyecto.
gaby_herbstein_de_la_serie_estados_de_conciencia_aprender_a_soltar-gh4“Son cuestiones que nos suceden a todos y que ojalá al pararse frente a algunas de las tomas, algo se dispare”, dice orgullosa la autora de imágenes como la joven cuyo pelo se confunde con golondrinas en vuelo o el hombre que se quita el rostro para arreglar mecanismos de precisión que parecen los de un reloj.

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